Categoría: Catálogo

©Cesia Hirshbein

Cesia Hirshbein orquesta estas Sombras sobre la luna de Van Gogh, en trece historias habitadas por emociones que se describen con mano femenina. Algunos personajes se relatan desde la voluptuosidad del erotismo, mientras otros, en cambio, lo hacen desde la esperanza, la neurosis, la culpa o en el borde de la muerte. No obstante, todas las historias narradas bajo la sombra de esa luna mítica, contienen una carga vital que da cuenta de la belleza de cada instante, incluso, en la mirada melancólica del exiliado judío al llegar a otra tierra y reconocer una nueva oportunidad para vivir.

En estas historias se exploran zonas de sentido que tejen la trama y construyen un discurso donde confluyen la música y la pintura, la transgresión amorosa y una profunda intuición que intenta atrapar la magia de momentos huidizos para cristalizarlos en la memoria. En Sombras sobre la luna de Van Gogh, la autora hace una arqueología del universo femenino con sus dioses y sus espectros, deambulando en la rutina, en la piel y en la conciencia que busca la plenitud como proyecto de vida.

Les Quintero

©Eloi Yagüe Jarque

Unos niños encuentran a una mujer inconsciente, totalmente desnuda, en un basurero y, alarmados, llaman a su abuela. Así se inicia una etapa en la vida de la enigmática mujer que, no se sabe cómo, llegó hasta ese lugar. En Santa Ángela del Cerro y otras leyendas urbanas, Eloi Yagüe aborda, una vez más, escenarios donde la injusticia es el hilo que tensa los cabos de intriga y crueldad en recovecos dominados por la violencia.

El autor recrea imaginarios escabrosos, deshumanizados por odios y pasiones repulsivas que ofician en el submundo del crimen, aunque a veces es posible escapar en un autobús que no se sabe hacia dónde va. Estos relatos se inscriben en una estética que Eloi Yagüe denomina realismo mágico urbano, en ella se despliega una sociedad convulsa e indefensa, subordinada a los juegos caprichosos del poder, a la indiferencia y la miseria anclada en tugurios amenazadores y oscuras zonas de la ciudad.

Les Quintero

©Gabriela Olivo de Alba

Gabriela Olivo de Alba no deja de sorprendernos con sus creaciones y la inmensa capacidad para hacer de los sueños o la memoria, en este caso, una obra de plasticidad insólita, de una belleza estética difícil de clasificar. Vientre primerizo, estructurado en tres apartados, recrea imágenes extraordinarias a partir de las voces de amigos, de recuerdos, del tejido que compone el universo de relaciones íntimas de la familia, y los amantes posibles.

Detente, Vientre primerizo y Hura crepitans, forman tres cuerpos entrelazados mediante relatos, que apuntalan el estallido de los vientres primerizos que paren ideas, hijos, semillas, todo aquello que palpita en la creación. Gabriela usa la metáfora como vehículo para explorar los mundos contenidos en las palabras, en la sentencia de profundas líneas que trazan destinos insoslayables de aventuras truncadas, en la intimidad como protagonista de lo oscuro.

La autora transforma el libro en lugar insospechado para ofrecer un homenaje al amigo caído en otra zona igualmente oscura y temible: la muerte. Gabriela hace un juego con el cajón de sastre y saca retazos de sensualidad, reminiscencias infantiles, sexualidad clandestina y transgresora que coquetea con la muerte, y teje un lienzo de belleza que se sostiene en la riqueza del lenguaje y sus significados, en las posibles analogías y correspondencias que conectan con la gestación, pero también descubre los rostros perversos de la realidad.

Les Quintero

©Hildegart Acosta

La palabra del hombre tiende en secreto a una extensión máxima de dos sílabas, a partir de estos versos de Eugenio Montejo, Hildegart Acosta concibe Sobre olas, un poemario que, como el mar, ofrece un paisaje hermoso y vivaz, con calados profundos que invitan a sumergirse en la lucidez de su propuesta estética. El lenguaje cabrillea Sobre olas para dar cuenta de ausencias y reencuentros, de la realidad esquiva en su eterno juego de transformación.

Las palabras remontan Sobre olas y se convierten en mensajeras elusivas que anuncian el carácter doble de las cosas. Cualidad que evoca a Jano, dios bifronte que con sus miradas devela lecturas de una realidad posible. Dos visiones que se suspenden más allá de la inmediatez, de los comienzos que se dan Sobre olas o en la profundidad donde habita la memoria.

Hildegart Acosta imbrica frases y temas con ritmo preciso, indaga en la exploración del lenguaje poético, en su capacidad para nombrar, con dos sílabas, las pasiones e inquietudes que bracean en los mares que todos llevamos inscritos en el alma.

Les Quintero

©Israel Centeno

Roberto Morel es un jinete a pie, como se les llama a quienes no tienen el privilegio de conducir una motocicleta, a los peatones sin voz ni derechos, exiliados en algún cantón de lo que una vez fue Caracas, antes del crack. En esta novela, Israel Centeno recrea una atmósfera enrarecida y anárquica donde se dibuja la soledad implacable de una ciudad que devino en pesadilla reaccionaria, decadente, deshumanizada, pavorosa. El personaje sobrevive obsesionado con rescatar las memorias erráticas de mujeres alucinadas y terribles; mujeres que se confunden y diluyen en la escritura de un diario, tal vez el único documento que registró los pasos de Roberto Morel antes de la debacle.

Ludmila puede ser Adriana o Verónica, Ana pudiera ser Alexandra o una sombra que se desprende del pecho de Roberto Morel. Una mujer se convierte en todas las mujeres, en figura caleidoscópica que se multiplica con los destellos cenitales del caos y la destrucción. Morel transita paisajes aniquilados de un sistema atrasado, constituidos por los cantones. Estos se distribuyen en zonas con viviendas desvencijadas, ruinas fundacionales de una comunidad donde habitan, confinados, los peatones que una vez transitaron libremente la ciudad.

Los peatones sobreviven con té de campanitas y, solo en horas permitidas por las hordas motociclistas, tomando un café en La Flor de Altamira. Tomar café representa un rito, el último reducto social en el fluir convulsivo de la historia.

La yerba y los turrones de calabaza propician el ensueño, puente hacia universos oníricos para escapar del horror que producen los safaris, esas temporadas donde la caza de peatones es una diversión. Roberto Morel, mediante una reflexión asordinada, explora la sinrazón del amor, la persecución de una mujer vengativa, el deseo y los repliegues del miedo y las pasiones de la condición humana en una situación límite.

Los peatones huyen desnudos, su piel se confunde con la naturaleza, con la noche azulada y los sueños irreales producidos por la yerba y el té de campanita. La piel es la metáfora para fundirse con la desmemoria y el espectáculo imposible del animal acosado.

Les Quintero

©Jorge Gómez Jiménez

En este cuento de Jorge Gómez Jiménez, una importante universidad invita al escritor venezolano Raimundo Trillo a participar como jurado de un certamen literario. A partir de esta invitación, el personaje inicia una desternillante peripecia como juez del concurso que debe premiar la obra más representativa de las letras jóvenes de un país tropical. El viaje de Raimundo Trillo está hilvanado por una ironía que no busca provocar, sino exponer la vivencia desde la perspectiva cotidiana del escritor, quien sobrevive con una menguante economía y debe aprovechar cualquier oportunidad para ganarse un dinero extra.

Juez en el invierno explora con humor no solo el discurso literario convencional en el que inserta sus reflexiones cargadas de lenguaje irreverente, sino también la autosuficiencia del escritor-jurado y las zancadillas de un dios burlón que se aparece en los lugares más inesperados. El manejo estético que hace el “maestro Trillo” desbroza las fórmulas de cortesía (de profusión barroca) hasta provocar la ruptura discursiva con lo socialmente correcto. Esta transgresión ofrece a cambio una relación directa con la realidad ficcional del personaje, despojada de ceremonias inútiles.

Raimundo Trillo evoca al pícaro y sus delirantes aventuras (o desventuras) en un evento disparatado. Juez en el invierno se recrea en los aspectos lúdicos del lenguaje, al narrar la historia del jurado al que solo le interesan los dólares que le pagarán, los problemas que puede resolver con ese dinero cuando haga el cambio a la moneda nacional, en el mercado negro, por supuesto, y en lo bien que lo pasará en la playa rodeado de chicas.

Les Quintero

©Jorge Rivadeneyra

Alto voltaje, el más reciente trabajo de Jorge Rivadeneyra Altamirano, contiene una serie de ensayos que nos ofrece un enfoque sobre la crisis ideológica ocurrida tras la caída del Muro de Berlín. Asimismo, demuestra, con argumentos bien fundamentados, la historia del socialismo. Del mismo modo, muestra que el comunismo es el fracaso más grande de la historia. El autor realiza, de forma magistral, una serie de reflexiones en las que la política, filosofía, historia y ciencia convergen para una visión profundamente humanista que ahonda en la reflexión sobre la situación actual de la Venezuela del siglo XXI.

Jorge Rivadeneyra Altamirano es profesor en el doctorado de Ciencias Sociales de la Universidad Central de Venezuela, su trabajo se ha orientado no solo al análisis político en el que destaca por su prolífica y tenaz labor como analista, sino también en el campo literario. Los ensayos de Alto voltaje rodean el abismo de incertidumbre producido por el llamado Socialismo del siglo XXI, y establece una relación entre política, historia y la estética como un modo de alterar la realidad mediante una lúcida reflexión que va dando cuenta de los antecedentes de este fenómeno sociopolítico y las razones de su fracaso.

El enfoque histórico, filosófico, social y político de Jorge Rivadeneyra, conduce a una revisión profunda de los postulados de algunas tesis de Marx, Engels y Lenin, entre otros. En Alto voltaje la estética adquiere una dimensión como modo de pensamiento creativo para establecer correspondencias con categorías abstractas que conforman el poder, desde lo netamente subjetivo hasta lo empírico y verificable.

Les Quintero

©Gabriela Olivo de Alba

Ojo de la cerradura, bitácora onírica de Gabriela Olivo de Alba, es la puesta en escena de los sueños como materia estética de la creación, donde todo cobra sentido. En esta suerte de diario, la autora transforma el sueño en relatos cargados con la fuerza proteica de imágenes que vuelan, se deslizan, se diluyen o mutan en escenarios fugaces.

Gabriela trasvasa la imagen dislocada por el estupor, el miedo, el absurdo, o el deseo (entre otras emociones), y las inserta en esta ruta de ficciones que, por su naturaleza inaprensible y enigmática, se muestra inquietante. Ojo de la cerradura se inscribe en una estética onírica deslindada de enfoques psicoanalíticos, y de postulados surrealistas, es expresión artística que surge de repliegues del mundo alucinado de los sueños.

La estructura, aunque parezca fragmentada, articula las ideas y conforma un cuerpo textual cohesionado, como una red que atrapa vivencias fortuitas en contextos matizados con tonos fantasmáticos o colmados de erotismo. El sueño es el protagonista que se cuela cada noche y conforma laberintos de teatros ambulantes e indefinibles que entregan funciones donde la soñante se envuelve, se deja envolver (o desenvuelve) en la extrañeza, el azar y el absurdo.

Ojo de la cerradura, seduce con la riqueza de sus reinos fantásticos, con su lenguaje y con sus entresijos. Los recursos formales en la propuesta estética de Ojo de la cerradura como libro objeto, se enlazan en un juego donde el arte subordina al texto literario, y constituyen vasos comunicantes entre la filigrana temática de lo soñado y el sueño como experiencia. Gabriela (la soñante) algunas veces los plasma con trazos gestuales, fuertes y dinámicos; otras veces los retrata como historias de símbolos y signos que confluyen en crónicas oníricas, en un Ojo de la cerradura.

Les Quintero

©Rodrigo Lares Bassa

Hombres de café, el nuevo trabajo narrativo del escritor Rodrigo Lares Bassa, nos ofrece una selección de tres relatos articulados en una prosa vital, rica en descripciones y en la belleza sensorial que se desprende de las tradiciones populares. Estos recursos otorgan unidad intimista a la historia y hondura existencial a sus personajes afincados en una geografía telúrica. El autor dibuja toda una arqueología de acciones que se desgajan de hechos sencillos, cotidianos y no por ello menos entrañables.

Lares Bassa demuestra una profunda sensibilidad artística en su retrato de parajes que solo la magia de la ficción hace visibles. La voz del narrador se alterna con la voz de los protagonistas, creando una suerte de contrapunteo donde prevalece la crónica íntima de los sueños particulares. Cada personaje deja sus huellas en las reflexiones, en su lucha a la sordina por mantener un cierto orden y, sobre todo, en el rastro indeleble del amor, la fe y las ilusiones en un futuro mejor.

En Hombres de café el lector hallará una crítica pertinaz hacia un sistema gangrenado por la corrupción, la ineficiencia, el desgaste psíquico. El cuestionamiento implícito en la narración se puede interpretar como una metáfora del país, donde un presentimiento irrumpe para resquebrajar el orden cotidiano y será necesario avanzar, página a página, para seguirle el rastro a ese presagio que atraviesa toda la historia, mientras los habitantes del pueblo esperan el supuesto e inminente suceso entre comentarios ingenuos, expresiones de impotencia, resignación o indiferencia.

Rodrigo Eloy Lares Bassa rescata lo esencial del interior venezolano con sus tradiciones y leyendas matizadas por el aspecto sobrenatural, como el fantasma de La Bellados, que le otorga a la narración la fuerza de la raigambre popular en la concepción de la gente sencilla del pueblo. Las existencias imbricadas en lo rural, la calidez que se desprende de las voces que componen cada narración, las fiestas y rutinas convergen en su proximidad con el ethos y otros aspectos recónditos del espíritu y el alma colectiva que perviven en la memoria.

En 2005 fue cuando Lares Bassa inició su ciclo narrativo con la publicación de su primera novela, Hilos de esperanza que tiene interesantísimos «vasos comunicantes» con Hombres de café, libro que al perecer decide el destino del autor por el ámbito de la ficción narrativa, una materia que maneja con decidido dominio y talento.

José Morales

©María Luisa Lázzaro

Miniguerra es una fragua simbólica donde el cuerpo, como abstracción, experimenta cuatro fases que revelan la condición proteica de la palabra. El Cuerpo sensual muestra la potencia liberadora mediante el erotismo, ingresando en un universo donde transforma los instantes fugaces de una mirada o un abrazo en momentos plenos y enriquecedores. La primera etapa del libro abre con el Eros como paradigma que amalgama los aspectos sagrados y profanos, fundamentales en la transmutación de las emociones. 

La tarea del Cuerpo social cumple una función indagadora y refleja sus impresiones mediante la voz poética. En ella se advierte cansancio y el cuestionamiento de aspectos sociales que apuntan hacia la toma de conciencia. Se evidencia el tránsito del estadio erótico hacia el entorno, el cual explora desde un enfoque conectado con la realidad que lo circunda. El mundo que se revela ante sí exhibe las grietas de un modelo decadente, inverosímil, absurdo hasta la náusea, el impasse violento con estructuras del poder desmedido, donde la muerte y la usurpación de roles hacen su guardia, trasfiguran la palabra en un Cuerpo herido.

Este Cuerpo herido, aturdido por la confusión, se debate entre la confrontación de la contingencia y el deseo de producir cambios para rehacer un territorio con una cadencia distinta, para evitar la catástrofe. El Cuerpo herido es una metáfora del clamor por el restablecimiento de los valores y la libertad, por la sanación de un lugar ultrajado. Las imágenes poéticas de este texto dan cuenta del proceso que experimenta el ser al reconstruirse desde las profundidades del mundo subjetivo y la sensibilidad con la que el acontecer inmarcesible va reparando las fisuras del alma. 

El Cuerpo reconciliado es la puesta en escena de una lucha frontal entre la voz poética y un enemigo atomizado por el poder. Ya no hay clamor ni ruegos, sino una rebeldía inaudita que desafía al adversario y le advierte que combatirá sus ofensivas blandiendo la palabra como arma y amuleto. Las estelas líricas del Cuerpo Reconciliado señalan el lento transcurrir de un estado a otro, el cambio que se va operando en los imaginarios del ser, manifiestos en el caudal del símbolo que lo conduce hasta su más pura esencia. 

Les Quintero